Teatro callejero en Venezuela

En la opinión de Oscar Acosta el teatro callejero que se realiza en Venezuela es variado, rico en propuestas estéticas, y ha permanecido al margen de reconocimientos oficiales o académicos. Es la modalidad teatral con mayor convocatoria. Son muchas las plazas, canchas, bulevares, calles e innumerables espacios donde los teatreros callejeros han actuado con gran compromiso y profesionalismo. 

En la década de los 70´s, en Latino américa se empieza a realizar este tipo de teatro llamándose Teatro de calle, Teatro callejero y por ultimo Teatro comunitario; esto se debe a que la presentaciones abordan al público de una manera directa y espontanea con sus problemas, temas sociales y sin necesidad de recursos técnicos.

El teatro callejero es una representación escénica para mostrarse o exhibirse en espacio públicos exteriores en donde los espectadores no pagan por presenciar el espectáculo.

Uno de los aspectos más interesantes del teatro de calle moderno, es su posición única debido al lugar socio-político en el que se desarrolla. Aquellas personas que no podrían haber asistido a un espectáculo de teatro tradicional pueden presenciar un espectáculo de calle. Se puede decir que el teatro callejero ha evolucionado en defensa de la democratización cultural.

Teatro callejero en Chile

Andrés Pérez Araya y Juan Edmundo González fundaron en 1980 un arriesgado y fundamental proyecto de teatro callejero bautizado como TEUCO (Teatro Urbano Contemporáneo). Tomaron esta decisión debido a la falta de salas teatrales y como una manera de llegar directamente al público.

Ni ellos, como cabeza del grupo, ni ninguno de los integrantes, en su mayoría formados en la universidad de Chile, habían realizado alguna técnica de teatro callejero; por lo que experimentaron y aprendieron conforme a la marcha.

En diciembre de 1980 realizaron su primera presentación con la obra llamada El viaje de José y María a Belén y lo que les aconteció en el camino; una obra breve, de 20 minutos de duración, inspirada en el relato del nacimiento de Cristo. A pesar de haber sido detenidos varias veces, el grupo continúo con sus presentaciones y entre 1986 y 1988 creo la Escuela Nacional de Teatro Callejero (ENATECA). Tras el acuerdo de 1988, el TEUCO se disuelve definitivamente por diferencias entre sus miembros sobre cómo debían continuar.

Andrés Lorenzo Pérez Araya nació en Punta Arenas el 11 de mayo de 1951; falleció en Santiago el 3 de enero de 2002 fue un actor y director teatral chileno conocido principalmente por la obra La Negra Ester.

Juan Edmundo González del Valle nació el 23 de diciembre de 1948 es un destacado actor y director chileno; cuenta con una larga lista de obras realizadas.

Teatro callejero, Ecuador

Uno de los teatros más populares en Quito Ecuador es el teatro callejero; los ciudadanos reconocen a diferentes personajes. El precursor del teatro callejero fue Carlos Michelena; él ha sido la causa de muchos análisis, más sin embargo en la actualidad quien realiza este tipo de teatro con un discurso similar al que maneja Michelena es Fabián Velasco el famoso Hombre Orquesta.

El teatro popular o callejero en Ecuador se ha caracterizado por expresar la realidad con un lenguaje propio que la recree o la reinvente, en donde en cada presentación el público se identifique y participe.

Al no tener escenarios pre fabricados los artistas tienen que resaltar otros elementos. Utilizan vestuario que aunque sencillo es vistoso y llamativo, máscaras o maquillaje que les den un estilo.

El teatro callejero ha sido uno de los mayores representantes de Ecuador. Muchos de sus artistas se mantiene presentes en la mente de las personas; entre ellos se encuentra Carlos Michelena quien se ha convertido en un personaje constituido y reconocido como un artista popular.

Carlos Michelena nació el 5 de enero de 1954 en Quito. Es un popular actor cómico ecuatoriano y es conocido por el público como “El Miche”. Tiende a pintarse la cara de blanco y vestirse con trajes particulares. En Ecuador es muy conocido por hacer teatro callejero en el parque El Ejito de la ciudad de Quito; lugar donde representa personajes típicos y de la política ecuatoriana.

El teatro en México

Con el surgimiento de las nuevas civilizaciones en México el teatro comenzó a tomar forma.

Las obras que se presentaban en ese entonces se trataban solo de un texto leído entro dos o más personas representando algunos a dioses y otros a hombre.

El teatro fue una de las herramientas más utilizadas por los españoles para evangelizar a los indígenas de México. Las obras de teatro eran sencillas presentaban la vida de Jesucristo, su pasión y su muerte. Se utilizaban vestimentas adecuadas pero muy sencillas así como musicalización bastante simple, cantos, bailes y actuación alegre.

Debido a la independencia del país el teatro se vio gravemente descuidado. El descontento de todo el país puso las ideas y la creatividad en otro sitio; los lugares para realizar teatro no eran abundantes. México cayó en un bache cultural.

Cuando todo llego a un estado de tranquilidad, las cosas volvieron a una normalidad relativa y empezaron a surgir escritos. En aquel entonces algunos de los escritores que sobresalieron eran autores románticos como Fernando Calderón y Manuel Eduardo de Gorostiza.

En esta época se crearon en México muchas obras bajo el concepto de zarzuela. Se convirtió en una de las formas más populares de teatro en aquel entonces.

Teatro de realismo-poético, Fedrico García Lorca

La última tendencia del teatro contemporáneo, es el llamado teatro de realismo- poético uno de sus mayores representantes fue Federico García Lorca, un poeta y dramaturgo español nacido en Fuente Vaqueros,  España. Realizo sus estudios universitarios en la universidad de Granada, en esta estudió filosofía y letras; se licenció en derecho. En 1919 se instaló en Madrid, se dedicó no solo a la poesía sino también a la música, el dibujo e incluso empezó a interesarse en el teatro. Más sin embargo su primera pieza teatral (El maleficio de la mariposa) fue un fracaso. Con el pasar de los años, continuo escribiendo y mejorando hasta que en 1936 escribió una obra llamada La casa de Bernarda Alba, esta es considerada su obra maestra y la última debido a que en ese mismo año al estallar la guerra civil, fue detenido por las fuerzas franquistas,  y fusilado diez días después.

El Teatro de realismo-poético es un tipo de teatro que es realista en cuanto al planteamiento de conflictos pero que utiliza un lenguaje poético; en este teatro se utilizan los simbolismos en el nombre de los personajes o en el uso de los colores. Además de que incorpora elementos del tipo irreal.

Otro de los grandes representantes de este tipo de teatro es Tennessee Williams un dramaturgo estadounidense nacido en Columbus Misisipi E.U.A.

Teatro Neoclásico

El teatro Moderno también llamado “El teatro del siglo de oro”; conocido así porque en esta época España alcanzó el prestigio internacional y cultural. Es la época clásica de la cultura española que se desarrollo durante el Renacimiento y Barroco, dividiendo la evolución de esta manera: Primera mitad del siglo “Teatro del Renacimiento” y segunda mitad del siglo “Teatro Barroco”.
El teatro neo-clásico es característico porque devuelve la naturalidad con un aspecto histórico, intentando reflejar las cosas como son. Buscaba recuperar la realidad de la vida en movimiento, la figura humana en el espacio y en las 3 dimensiones, y creando espacios ilusionistas.
Durante la evolución dentro de esta época, surge la reglamentación teatral basada en 3 unidades: acción, espacio y tiempo, tomándolo de la Poética de Aristóteles, teoría introducida por Lodovico Castelvetro.
Las obras se representaban en plazas, carretas decoradas, iglesias, colegios y por primera vez en espacios establecidos propiamente para estas puestas actorales. La escenografía cada vez se volvía más compleja, tomando todo lo característico del Barroco.
El teatro Moderno tuvo pocas variaciones respecto al desarrollado a lo largo del siglo XVIII, su principal característica fue la inspiración en modelos clásicos Grecorromanos. Se desarrollo sobre cualquier otra cosa la Tragedia, basada en la ineluctabilidad del destino, con un tono meramente clásico. En el siglo XVIII el teatro siguió modelos anteriores, contando como principal innovación la reforma que efectuó Carlo Goldoni de la comedia, que abandono la vulgaridad y se inspiró en costumbres y personajes de la vida real. También se desarrolló el drama, situado entre la tragedia y la comedia.

Sus principales exponentes durante la primera mitad del teatro Renacentista fueron: Bartolomé Torres Naharro y Gil Vicente; durante la segunda mitad Lope de Vega con sus asuntos históricos y novelísticos, y Miguel de Cervantes que escribió “El Quijote”, obra que lo hizo alcanzar la fama. En el teatro Barroco destacó Félix Lope de Vega y Pedro Calderón de la Barca.

    

Bartolomé Torres Naharro.

 Gil Vicente

Teatro de la crueldad de Antonin Artaud

En el teatro contemporáneo además del teatro épico y el absurdo también se encuentra el teatro de la crueldad.

El teatro de la crueldad fue propuesto por un francés llamado Antonin Artaud, él incorpora a su teoría elementos surrealistas y de la danza oriental para crear así una forma violenta y surrealista de teatro. 

Algunas de las características de este teatro son:

1. Además del lenguaje hablado, se utilizan otros medios de expresión que van más allá de las palabras como las entonaciones, los movimientos, los gestos, las actitudes, sonidos, gritos, luces y onomatopeyas.­

2. El escenario está organizado como algo misterioso y jeroglífico; presenta las imágenes del sueño en el cerebro, el gusto por el crimen, las obsesiones eróticas, el salvajismo, el sentido utópico de la vida y de las cosas.­

3. Aborda temas acerca de la creación, el devenir, el caos, el hombre, la sociedad, la naturaleza y los objetos. Las escenas violentas y chocantes son las predilectas para captar la atención del público. ­

4. Se preocupa más por el golpe emocional que por la trama misma.­

El mismo Artaud dio a conocer lo que consideraba que fue su aportación hacia un teatro innovador:

–El tono teatral recuperado en toda su pureza y con toda su humanidad.

–El valor del sonido y de la palabra en la puesta en escena.

–El uso del espacio, de los objetos escénicos y de la luz para un ritual teatral fascinador.

–El movimiento y el gesto en toda su organicidad y primitivismo.

El teatro de la Edad Media

Durante la edad Media surgieron y desaparecieron muchas cosas, una de ellas fue el Teatro. La iglesia durante esta época tomó el control, aniquilando todo aquello que fuera una ofensa para Dios. La corte de intelectuales creó una nueva cultura en la cual, el teatro no entraba. Con el paso de los años el telón volvió a abrir, tirando de las cuerdas para correrlo estaba la Iglesia, su enemiga desde hace tanto tiempo.
Los monasterios hicieron posible el resurgimiento del teatro, tomando como base la tradición griega. Restauraron la gran tragedia griega, dándole un sentido por completo cristiano. La Biblia tenía que darse a conocer y que mejor manera que difundiéndola por medio de la representación, manera fácil de entenderla, puesto que la mayor parte de la población era analfabeta. Puede ser que las primeras representaciones teatrales hayan sido los Tropos, una tanda de preguntas y respuestas entre el sacerdote y los fieles durante las fiestas patronales.
A falta de espacio dentro de las iglesias, se vieron obligados a cambiar de locación, ya que la audiencia aumentaba cada vez mas; primero se movieron a los pórticos y después a las plazas respectivas de las iglesias.
Las puestas en escena cada vez eran más elaboradas pero un tanto raras para el público; el área de la representación estaba bastante levantada, separada del público por una barrera. El decorado presentaba todos los lugares donde la acción debía irse desarrollando, estos lugares tenían el nombre de Sede o Mansión y cada uno poseía su propio Telón. Unas telas de fondo cerraban el horizonte del teatro.

Teatro en la Edad Contemporánea, el teatro de nuestros días

El teatro contemporáneo es el teatro del expresionismo, su apogeo se dio en las dos primeras décadas del siglo XX, sobre todo en Alemania; se caracteriza por la exageración y distorsión; además de un uso tentador de la luz y la sombra. Lo que pretende no es hacer que el público se identifique con lo que está presenciando, sino que reflexione acerca de las problemáticas que se presentan.


Bertolt Brech fue uno de los alemanes que tuvo su aportación en el teatro, él creía que el teatro podía educar y cambiar a la sociedad, por lo cual debía ser político. Brech desarrollo un tipo de teatro llamado teatro épico, este consiste en lograr un efecto de distanciamiento en lugar de una identificación emocional; para lograrlo se hace uso de elementos musicales, el desdoblamiento del actor (un actor puede interpretar varios papeles), la utilización de personajes genéricos (los personajes no tiene nombre propio sino que se les llama por él, ella, un o dos), la incorporación del público a la acción.

Otro de los autores que aporto al teatro contemporáneo es el rumano Eugène Ionesco quien es considerado el padre del teatro de lo absurdo; sus obras son por lo general de un acto, los temas que abarca son los relacionados con lo absurdo de la existencia, la enajenación e impotencia humanas, el miedo a la muerte, la incapacidad del lenguaje como un medio de comunicación efectivo. Ionesco rechaza el teatro realista y el psicológico, pero utiliza las ideas de Sigmund Freud para explorar el subconsciente y los sueños.

Teatro callejero en Francia

El elefante del sultán es la historia de una niña que ha viajado en el tiempo donde ha visitado varias ciudades del mundo, ella es una marioneta gigante que a lo largo de su recorrido se alimenta, se baña, duerme, etc. Con el fin de encontrar el elefante del sultán, que se caracteriza por destrozar todo a su paso sin piedad alguna.

Royal de Luxe es una compañía francesa de teatro callejero que se caracteriza por utilizar marionetas gigantes en sus representaciones artísticas, dichas marionetas llegan a tener una altura de 10 metros y un peso de más de dos toneladas, sus desplazamientos son realizados por grúas enormes que van amarradas por medio de cables de alta resistencia en la marioneta de la niña.
El elefante al igual que la niña es desplazado por una grúa y además tiene a cinco operadores mecánicos que ayudan al desplazamiento del elefante: cuatro para las piernas y uno para la cabeza del elefante que dicho operador puede mover las orejas del elefante y lanzar agua por la trompa.
El recorrido tiene una duración de dos días aproximadamente y tienen el apoyo técnico de más de 30 ayudantes que acompañan a las marionetas.

Orígenes del teatro Griego y Romano

El arte dramático nació en Grecia. El teatro en Grecia fue una evolución de antiguos rituales religiosos, del rito paso al mito y a través de la mímesis, se añadió la palabra, surgiendo la tragedia. El público pasó de participar en el rito a ser un observador de la tragedia, la cual tenía componentes educativos como la transmisión de valores, a la vez que la purgación de sentimientos (mejor conocido por catarsis). Después surgió la comedia, con un primer componente de sátira, la crítica política y social, desarrollando después temas costumbristas y personajes arquetípicos. Apareció la mímica y la farsa. Los principales dramaturgos griegos fueron: Esquilo, Sófocles y Euripides en la tragedia, y en la comedia destacaron Aristófanes y Menandro.

El teatro romano recibió la influencia del griego, aunque originalmente derivó de antiguos espectáculos etruscos, que mezclaban el arte escénico con la música y la danza: tenemos así los LUDIONES, que eran actores que bailaban al ritmo de los TIBIAE (especie de aulos), mas tarde al añadirse la música vocal, surgieron los HISTRIONES (significa, bailarines en etrusco) estos mezclaban canto y mimo. Al parecer, fue Livio Andrónico- de origen griego- quien en el siglo III a.C. introdujo en estos espectáculos la narración de una historia. El ocio romano se dividía entre Ludi circenses (circo) y Ludi scaenici (teatro), predominando en este ultimo el mimo, la danza y el canto. Autores destacados Plauto y Terencio.

El teatro de la Edad Moderna en distintos países

En las calles y plazas de las ciudades del Antiguo Régimen, la música se proyecta a los ciudadanos allí en donde están, en sus propias casas, plazas y en las calles para comunicarles un mensaje de fiesta o de dolor de acuerdo con el carácter de los acontecimientos, festivos en los desfiles conmemorativos, tristes en los festejos fúnebres.


Las calles y las plazas de una ciudad podían ser elegidas para realizar en ellas cualquier manifestación artística de la edad moderna, sin embargo se elegían algunas calles y plazas concretas para llevar a cabo todo tipo de manifestaciones. Surgen itinerarios privilegiados que se mantienen sin cambios.

En España el teatro era básicamente popular, cómico, y con una tipología muy personal.

En India, esta época del teatro se derivo del antiguo dutangada, en donde predominaban la danza y la mímica, hacia a una nueva clase denominada kathakali, que también ponía énfasis en la música y la gestualidad.

En Japón surgió la variedad del kabuki, el cual sintetizó las antiguas tradiciones tanto musicales e interpretativas como la mímica y la danza, con temas desde los más cotidianos hasta los más espirituales. Al igual que el nō que era de tono elegante, en cambio el kabuki sería la expresión del pueblo y la burguesía.

HIP HOP

El Hip Hop es un movimiento artístico compuesto por un amplio conglomerado de formas artísticas, originadas dentro de una subcultura marginal en el sur de los barriosBronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóveneslatinos y afroamericanos durante la década de 1970. 1 2 3 45 6 Se caracteriza por cuatro elementos, los cuales representan las diferentes manifestaciones de la cultura: Rap (Oral: recitar o cantar), Turntablism o " DJing " (Auditiva o musical), Breakdance (Físico: baile) y Graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la cultura. Para este grupo de jóvenes, ofrece una salida reaccionaria a las desigualdades y penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York, así que el "Hip Hop" funcionó inicialmente, como una forma de auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se a inmerso el Hip Hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura. El término Hip Hop se utiliza con frecuencia, erróneamente, para referirse específicamente a la música Rap.

El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeraspor los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue, para que DJ Kool Herc en 1520 Sedgwick Avenue, hiciese algunamezcla con samples de los gritos de la multitud y cantos de algunos bailarines, mientras algún MCanimaba las fiestas y rapeaba al ritmo de los diferentes beats, al tiempo que varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa que Kool Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, esbozó los pilares de la cultura hip hop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o "Deejayin", B-boying y Graffiti o "Aerosol Writin". 7 8 9 10 11
Desde su evolución a lo largo del sur del Bronx, la cultura hip hop se ha extendido a diferentes culturas urbanas, suburbanas y comunidades de todo el mundo.12 El Hip hop surgió por primera vez con Kool Herc y Disc Jockeys contemporáneos como también imitadores, todos estos experimentaron creando golpes rítmicos a través de loops breaks (pequeñas porciones de canciones que enfatizan un patrón de percusión) en dos platos. Esto más tarde fue acompañado por Rap, un estilo rítmico del canto o poesía a menudo se presenta en medidas de 16 intervalos de tiempo, y Beatboxing, una técnica vocal usada principalmente para proporcionar elementos de percusión de la música y diversos efectos técnicos de DJs. Una forma original de baile y particulares estilos de vestir surgió entre los fans de esta nueva música, el Breakdance. Estos elementos experimentaron una considerable adaptación y el desarrollo en el transcurso de la historia de la cultura, incluso hoy permanece en constante evolución al ser una cultura presente en mas de 200 naciones.

El Hip Hop es tanto, un fenómeno moderno como también antiguo; gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar las grabaciones clásicas, actitudes y experiencias al publico moderno en lo que se denomina "flipping". Actualmente aun sigue arraigándose a otros géneros norteamericanos como lo son el Blues, Jazz y Rock and Roll, inspirándose mayormente en el Soul, el Funk y los considerados "Hermanos Culturales" el Reggae, Dancehall yRhythm and Blues o R&B (Usualmente considerado parte del Hip Hop). Compite ademas con el Rock, y el Pop por el primer lugar en cifras de ventas a nivel mundial como también la influencia cultural, ya que cada uno de los anteriores cuanta con seguidores en prácticamente cada nación de los cinco continentes, dando lugar a la creación de cientos de estilos y subculturas.

TEATRO GARNACHA

La garnacha es ya una agrupación de cierta importancia puesto que la conforman ocho personas, entre ellas una mujer y un muchacho (es decir, a pesar de la prohibición, los muchachos siguieron actuando en papales del otro sexo). Con una mayor preocupación en el vestuario (“llevan un arca con dos sayos, una ropa, tres pellicos, barbas y cabelleras y algún vestido de la mujer, de tirita”) y un repertorio de obras un tanto más amplio, viajan a pie y con un pollino para el arca y la mujer. Permanecen en los pueblos durante ocho días y la mayoría duermen en una cama que comparten. Aparte de las representaciones en las fiestas de los pueblos, nos dice Rojas que hacen también representaciones privadas, suponemos que en casas de nobles o burgueses ricos que pueden permitirse pagarlas aunque sea con la comida para toda la compañía, pues esta agrupación también posee “el hambre por arrobas”.
Resulta interesante destacar que, “si para los otro tipos se emplean términos de significados degradantes –bu lulú, engañador; ñaque, montón de cosas inútiles; gangarilla del campo semántico de ganga; camba leo del cambalache, éste [garnacha] refleja ciertas pretensiones en el vestir, ya que la palabra garnacha equivale a vestidura

"Del rito al Mito"

El teatro tiene sus orígenes en los antiguos ritos de origen prehistórico, donde el ser humano empezó a ser consciente de lo importante que es la comunicación para la interacción con las demás personas. Algunas ceremonias religiosas tenían desde su pasado componentes de escenificación teatral.

En los rituales utilizados para la caza, el hombre primitivo imitaba a los animales para atraerlos y así poder convertirlos en su alimento, así es como paso “Del rito al mito” y del brujo al actor. En áfrica, los ritos religiosos mezclaban el movimiento y la comunicación gestual con la música (percusiones) y la danza, utilizando objetos que les daban identidad como lo son las máscaras, que servían para expresar roles o estados de ánimo. Estos ritos reforzaban su identidad y cohesión social.

La Edad Media, el teatro religioso

En la Edad media el teatro fue religioso, era presentado en las iglesias. El teatro ignoro la distorsión romana y tomo las bases de la tradición griega; los monasterios restauraron la tragedia griega pero con temas cristianos, debido a que el pueblo era analfabeto la única opción para dar a conocer la biblia y la más sencilla era el teatro.

En esta época existieron dos tipos de teatro, uno presentado en la iglesia y representado por el clero, este teatro solo se utilizaba para temas bíblicos, satanizaba al cuerpo y era representado en varias escenas cortas en distintos espacios.

El otro era el teatro del pueblo, este se realizaba en carnavales por las mismas personas del pueblo las cuales recibían el nombre de juglares, o por clérigos quienes eran perseguidos por la santa inquisición, estos recibían el nombre de goliardos.

En 1550 comenzaba un teatro a encontrar auditorios populares, estos reunían a las personas en las plazas; los actores pasaban un sombrero entre las personas que formaban el auditorio para después encantar al publico con una obra improvisada ya que no contaban con comedidas escritas; pero su cuerpo y cerebro eran agiles. Este teatro fue la commedia dell´arte; las palabras dell´arte fueron el espaldarazo a la crítica, significaba que no había nada de aficionado ni en los actores ni en la obra.

La mejor manera de conocerte: técnica clown

¿Qué es la técnica Clown?

El clown es una de tantas técnicas que tiene el teatro, es el método de actuar del payaso trasladado al universo del actor. El artista que hace clown crea su propia rutina y su propio personaje sin tener que seguir tradicionalmente a un director, permite al artista sumergirse en su intimidad para mostrarle al público aspectos no “aceptables” de su personalidad.


Un actor clown se diferencia de otro que no lo es por el estado físico: entrena, trabaja mucho con el cuerpo, realiza caídas, acrobacia y además tiene una conexión con el espectador a partir de la mirada, aunque no hable está comunicándose con él.



Existen tres tipos de clown:
El carablanca: que es el que está al mando y representa el poder o la autoridad
El del medio: también llamado Tony que no es tan vivo como este, ni tan bobo como el posterior
El tonto: que es el más débil, al que todo le queda grande, es torpe y le sale todo mal.

Esta forma de actuar es única "a veces te encontrarás haciendo cosas que nunca pensaste que ibas a hacer, o te acordarás de otras que hacías cuando eras pibe y sólo vos sentís realmente la emoción que eso te causa" relata actor y profesor de clown.



Actualmente es recomendado para acompañar tratamientos psicológicos y otras terapias porque ayuda a conocerse, ayuda a crear y alimentar el espíritu.

Performance: Una expresión del Dadaísmo

Parte del Dadaísmo en 1916, basándose principalmente en la libre expresión, que se convirtió en una de las vertientes del arte. En sus inicios se le conoció como arte conceptual y fue fundado por Tristán Tzara. Mezclo la poesía con sus representaciones teatrales en el surgimiento del Dadaísmo, se transformo en una forma de expresión ante la segunda guerra mundial por lo cual se manifestaban en contra de las atrocidades que se efectuaban en la guerra.

La principal característica de este movimiento es que el publico se sienta parte de lo que esta sucediendo en la actualidad o que sucedió. Remontándose a problemas o y sobe todo a momentos históricos recordados por el publico, para hacerlos que se adentren en el sentir de una sociedad abrumada por la problemática social.  

  

   

    Esta técnica fue muy criticada por darle al publico imágenes crudas y reales, donde el publico puede llegarse a sentir incomodo o agredido, y esa es principalmente la naturaleza de esta representación, hacer que el publico pueda tener solo dos criticas, positiva o negativa. Su objetivo es llegar hasta lo mas sensible del publico y mostrarle lo efímero de una manera cruda en la cual el publico pueda tener conciencia y pueda identificar de manera real su entorno donde se desarrolla.

ROBOTS ENTRE NOSOTROS

Buenas noches mis estimados lectores, el día de hoy quiero presentarles a unos peculiares personajes que me encontré caminando por la zona centro de mi ciudad.

Robot con chatarra Automotriz en color Amarillo

Se trata de unos robots hechos con chatarra automotriz, y que me llamaron mucho la atención pues además de lo ingenioso y original de sus caracterizaciones tienen cierta proyección aunque no sean actores del todo profesionales.

Asi es que ya saben, ahora que anden por la zona peatonal en el centro historico, aprovechen y conozcan a estos personajes que ademas de ser creativos, son ecologicos, porque como ya lo mencionamos es una manera original de usar la chatarara automottriz y asi evitamos contaminar. 

Y en color Azul

“Al Aire Puro” Festival Internacional de Teatro Callejero

 “Al Aire Puro” Festival Internacional de Teatro Callejero

http://www.youtube.com/watch?v=WlJ3lE-lVcI

Comienza el Festival Internacional de Teatro Callejero “Al Aire Puro, proyecto apoyado por Iberescena y que se celebra del 24 al 30 de agosto en Bogotá, Colombia.
En este Festival han participado 156 compañías de más de 30 países. Se han realizado aproximadamente 500 presentaciones en más de 20 espacios públicos. Los parques, plazas, centros comerciales, centros comunitarios, calles, sectores marginados de la ciudad, universidades y colegios se transforman en  escenarios donde asisten diariamente entre 10.000 y 15.0000 personas a una programación variada y totalmente gratuita y con extensión a varias ciudades y pueblos del país.

Además de las más de 60 funciones programadas por el festival paralelamente se lleva a cabo el Encuentro Teatral. Un espacio pedagógico para compartir e intercambiar experiencias de trabajo con los grupos, los actores y directores participantes. Y, adonde se realizan diferentes talleres, demostraciones prácticas, conferencias y charlas que aporten a la investigación, al análisis y la reflexión del desarrollo actual del teatro calle y de espacios abiertos en Latinoamérica, Iberoamérica, Europa y otras partes del mundo.
Cada dos años el teatro de calle, las comparsas, los grupos musicales, los narradores orales, las escuelas de circo, la danza para espacios abiertos, los mimos y saltimbanquis se reúnen para tomarse a Bogotá y convertirla en la fiesta teatral más importante del año. 

PERFORMANCE, TEATRO CALLEJERO Y POETICA VISUAL

Un Sentido próximo al logro y a ejecución conseguida, tal palabra se ha difundido a las artes a partir de la expresión inglesa "Performance Art" que esto proviene de lo que es el "Arte vivo" como "Arte conceptual".


La historia del "performance Art" inicio en el siglo XX con las acciones en vivo del futurismo, el constructivismo, dadaísmo y surrealismo.
Este arte de la Performance es el que en el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo durante un tiempo concreto. El performance o acción artística puede suceder en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y tener cualquier duración.


HAY UNA ACCION QUE INVOLUCRA 3 ELEMENTOS IMPORTANTES:

1.- Tiempo
2.- Espacio
3.- El cuerpo del performer y una relación entre el público y el performer.


En este sentido se opone al la pintura o escultura. La Performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones de arte contemporaneo.
El sniggling es una formal activista y engañosa del performance art en público, esta se desarrolla de modo que los expectadores no se dan cuenta de que se está ejecutando una performance.


La acción poética del arte contemporaneo es que slle refiere a la acción poética cuando se distingue una representación artística, basada en una simple acción poético del arte.

ACCIÓN POÉTICA SE DEFINE COMO:

1.- Una obra de arte fugáz
2.- Un análisis artístico de hechos cotidianos bien simples.
3.-Principio de acción-reacción y principio de intromisión
4.- Principio de transgresión.

Cervantino en Guanajuato

Al finalizar el 41 Festival Internacional Cervantino, el presidente de Conaculta, Rafael Tovar y de Teresa, anunció las novedades para la edición 2014 del FIC, el cual girará en torno a dos grandes temáticas.

La primera de ellas, denominada "Fronteras", alude a la diversidad cultural, tanto de frontera a frontera (con Estados Unidos y Centroamérica), como los límites tan vastos en las artes.

  Como un segundo eje, se encuentra la celebración del 450 Aniversario del Natalicio de William Shakespeare, uno de los autores más representados e influyentes de todos los tiempos, ya sea directa o indirectamente, en casi todas las corrientes artísticas.

Asimismo, el representante cultural dio a conocer los invitados de honor, siendo este año, el Estado de Nuevo León, y como país invitado, Japón.

A propósito de Shakespeare, recordemos que el Festival Internacional Cervantino, si bien se llevó a cabo por primera vez como tal en el año de 1972, tiene su origen en los “Entremeses Cervantinos,” representados por el Teatro Universitario encabezado por Enrique Ruelas, en el año de 1953, en la Plazuela de San Roque de Guanajuato Capital, ciudad sede de todos los tiempos del Festival.

Este año Cervantes rendirá homenaje a su contemporáneo Shakespeare, ya que ambos fallecieron en el año de 1616.

EL TEATRO BOJIGANGA

En la bojiganga ya hay dos mujeres, además del muchacho y los seis o siete actores. Con el número siete se acopla la enumeración de papeles que representaban en sus obras (seis comedias, tres o cuatro autos, cinco entremeses): un necio, un bravo, un mal sufrido, un porfiado, un tierno, un celoso y un enamorado. Rojas bromea al decirnos que la convivencia con cualquiera de estos tipos de personas sólo conduce a la infelicidad o la pobreza, pero ¿se refiere a los papeles ficticios o a los actores reales?. Con dos arcas y cuatro jumentos viajan de pueblo en pueblo, representando de noche o, durante las fiestas, de día. Nos dice, por primera vez, que estos cómicos comen bien, pero después, ambiguamente, deja caer su afición por acercarse excesivamente a los embutidos ajenos que se asan al fuego.

En cuanto al nombre que recibe tal compañía, bojiganga, hemos de decir que proviene del nombre de uno de los personajes que en ella solía haber. Éste sería una especie de diablo vestido con cascabeles que esgrime un palo con vejigas de vaca hinchadas. Durante su actuación, el personaje da grandes saltos, baila y sacude las vejigas provocando un gran estruendo (indoloro en el caso de que se golpee a otro actor), todo ello con la misión de asustar, animar o divertir. El capítulo XI de la segunda parte del Quijote, donde se narra el encuentro del caballero andante con un compañía de comediantes.

Teatro de Calle

En todas las culturas el teatro tiene sus orígenes en el ritual. Las distintas comunidades en sus reuniones sociales solían relatar sus vidas a través de danzas e interpretaciones teatrales. Puesto a que no tenían un espacio dedicado a estas representaciones, se le puede considerar como "Teatro de calle" desde un inicio.

El teatro nace del ritual, luego surgieron los dramas y comedias; después el desarrollo de muchas ramas del teatro, una de ellas es el teatro callejero. El teatro de Calle en sí tiene sus orígenes en espacios comunitarios, en su mayoría en lugares al aire libre.

Hemos de entender que para que un arte callejero sea considerado como una obra de teatro, este debe cumplir una función más allá del mero entretenimiento o distracción. El intérprete de la calle en su lenguaje escénico busca transmitir algo más que solo entretenimiento o fantasía. En la actualidad el teatro de calle en sus avances renovadores e innovadores, usa espacios no convencionales, incluso más allá de la misma calle.

Para que sea considerado "Teatro Callejero" este tiene que tener una propuesta de contenido, puesta en escena, actuación y manejo de escena con un público de calle. Es importante que el actor tenga una preparación considerable, como tener buena dicción, una voz potente, expresión corporal, improvisación, actuación e interpretación de experiencia.

El arte del teatro efímero es el "Happening"

Comúnmente el happening se lleva de manera
espontánea en lugares públicos.

En una técnica que surge en Estados Unidos en la década de 1950. Happening (de la palabra inglesa que significa acontecimiento, ocurrencia, suceso) es una técnica teatral basada en la improvisación. Como forma escénica, es un cuadro vivo en proceso de creación, una obra dramática y visual. Los artistas lo presentan en lugares públicos, pues pretende la participación espontánea del público y de esta manera romper con la cotidianidad de los espectadores, su característica principal es que es un arte efímero.


Se pretendía que los participantes en aquellos acontecimientos reflexionaran sobre su conciencia, definieran sus cualidades positivas y sus virtudes, captaran la esencia de los elementos vitales y experimentaran su vida como arte en el más puro de los sentidos.


En muchas ocasiones los intérpretes de happening han sido denunciados por atentado a las buenas costumbres o inmoralidad, por lo que suelen hacerse en privado.

Suele relacionar al público en sus representaciones.

El happening no contiene acción, sino una serie de acontecimientos formados por movimientos violentos y sensuales, y por la utilización de sonidos y luces y hasta olores. Se desarrolla en un espacio restringido y suelen utilizarse multitud de objetos a disposición de los participantes entre los cuales no ha habido previamente acuerdo para la actuación. No hay tiempo marcado y el final debe ser marcado por los intérpretes. Su comienzo es siempre una provocación al público que es forzado a participar con acciones que lo incomodan.


Hay tantas formas de happening, pues su base de creatividad lo hace siempre diferente y es un espectáculo único sin fines comerciales. Todos los temas en que se puede poner en tela de juicio el pensamiento conformista tienen cabida en el happening.

CARTELERA DEL MES DE MARZO

Muy buenas noches, para este mes de Marzo no se pierdan los siguientes eventos:

RUTA CREATIVA: ESTACION DE TRANSFERENCIA DELTA

EVENTO: Danzas Polinésias y Bellydance
DIA: Jueves 13 de Marzo
HORA: 13:30
COSTO: Entrada Libre

EVENTO: AGUADANZAGUA
DIA: Jueves 20 de Marzo
HORA: 13:30
COSTO: Entrada Libre

EVENTO: Obra Ven a Matar a Toño
DIA: Jueves 27 de Marzo
HORA: 13:30
COSTO: Entrada Libre

Esto es lo que tenemos para este mes en el arte callejero, que tengan una buena noche

¿Que es el teatro callejero?

     El teatro callejero o bien conocido también como teatro en la calle, tiene sus orígenes en Grecia en el siglo VI a. C. Utilizaban la plaza principal de Atenas para llevar a cabo estos espectáculos, también se utilizaba un carro como tribuna. Posteriormente en la edad media también fue muy popular este movimiento. 

   


 
  Para el siglo XX, se consolidó como un teatro diferente pero con aceptación dentro de las artes y tomado en cuenta para festivales y eventos de importancia global, comenzó a ser parte de la cultura popular de cada país. A mediados de siglo tuvo un cambio importante en su estructura principal,  paso a ser considerado un arte estético enfocado al entretenimiento, dejando a un lado la critica y repudio social, sin olvidar sus principios básicos y su enfoque a ser un arte con disponibilidad al alcance de todos. 

     Su principal objetivo es llevar un espectáculo para todas aquellas personas que no tienen acceso a un recinto donde son presentadas de manera tradicional ciertas obras. Con temas de problemáticas sociales, entre otros, este movimiento se expresó en contra de la opresión y hasta nuestros días sirve como un deshago para mostrar inconformidad ante ciertas situaciones políticas y sociales. No todo es inconformidad en estos espectáculos también podemos encontrar mucho entretenimiento y diversión para todas las edades. 

     Actualmente existen en todo el mundo muchos festivales que apoyan este tipo de teatro, en los cuales se muestran todo tipo de técnicas y temáticas. 

>> Haz click aquí para ver videos de teatro callejero <<

LAS CALLES SE LLENAN DE COLOR

EL PASADO DOMINGO 19, SE LLEVO A CABO EL DESFILE CONMEMORANDO LOS 438 AÑOS DE LA FUNDACION DE LA CIUDAD.

EL DESFILE ARRANCO A LAS 10:00 A.M. DEL PARQUE HIDALGO CIRCULANDO POR EL BLVD. ADOLFO LOPEZ MATEOS HASTA LLEGAR A LAS INSTALACIONES DE LA FERIA.

PARA DICHO ACONTECIMIENTO EL SERVICIO DE TRANSPORTE “OPTIBUS” TUVO QUE SER SUSPENDIDO DE MANERA MOMENTANEA.

LA GENTE ESPERABA CON ANCIA EL INICIO DEL DESFILE

MILES DE PERSONAS ABARROTARON TODO EL LOPEZ MATEOS. YA FUERA SOBRE LAS JARDINERAS, LOS PUENTES PEATONALES, EL CARRIL EXCLUSIVO DEL TRANSPORTE Y CAMELLONES.

SCOUTS DEL GRUPO 1  APOYANDO EN LA SEGURIDAD

PARA LA SEGURIDAD DE LOS ASISTENTES Y PARTICIPANTES SE CONTO CON LA COLABROACION DE PROTECCION CIVIL, TRANSITO Y POLICIA MUNICIPAL, DE IGUAL MANERA BOY SCOUTS VOLUNTARIOS QUIENES PORTABAN ADEMAS DE SU UNIFORME CARACTERISTICO UN CHALECO COLOR ANARANJADO.

GLOBOS GIGANTES

EL DESFILE LLEVO COMO TITULO AMUSE. EL INVITADO ESPECIAL DE ESTE AÑO FUE EL COMEDIANTE CONOCIDO COMO “EL PERRO GUARUMO”. ENTRE LOS MUCHOS ATRACTIVOS DEL DESFILE FIGURARRON: MARIONETAS, GLOBOS GIGANTES, BAILARINES, PORRISTAS, BREAKDANCERS, CHARRERIA, POR SUPUESTO NO PODIA FALTAR LOS CARROS ALEGORICOS LLENOS DE COLOR. 

BREAKDANCERS